Combine Paintings – Rauschenberg

Los combine paintings, o pinturas combinadas son resultado de una síntesis, un cuadro no solamente pintado, alcanzando un estilo gestualista y de acción, y del montaje de objetos y materiales dispuestos en el espacio pictórico. El repertorio objetual conecta plenamente con la iconografía pop: objetos procedentes de la moderna sociedad industrial, objetos cotidianos, con los que Rauschenberg da una nota irónica y humorística al sistema de vida americano… (Sureda y Guasch, 1987).

«Cualquier objeto es digno de incorporarse a la composición, desde ropa, cojines, botellas o latas hasta ventanas, puertas, espejos o animales disecados. El resultado de esta unión da como resultado obras que se encuentran a caballo entre la pintura y la escultura. Colgadas de la pared o exentas en la sala, las combine paintings invaden el espacio del espectador y, a menudo, interactúan con él o con el espacio circundante, buscando, en muchas ocasiones, la participación del mismo en la obra.” (Fernandez López, 2019).

Esquemas compositivos con diversas formas, divididas en partes de interés. Con pintura abstracta expresiva que demandan mayor interés visual y colores desaturados y ordenados, o intensos y extravagantes por momentos. Distribución armónica abstracta de los elementos, conteniendo líneas, ondulaciones y patrones que generan ritmos y secuencias con luz uniforme y contrarrestada con sombras naturales de los objetos que la componen.

Rauschenberg se centra en la tridimensionalidad y en la corporeidad de los diversos objetos que añade a su obra, con lo que acentúa la plasticidad de la pintura y la dota de una serie de connotaciones escultóricas, que irrumpen en la espacialidad y rompen el equilibrio. Por ello, uno de los rasgos más significativos de sus piezas es que incorporan la cotidianidad al terreno artístico en su sentido literal, .” (Vite Tiscareño, 2014).

Lo más llamativo de esta obra es la técnica utilizada, por la utilización de un lenguaje revolucionario, en cuanto al uso de objetos y todo tipo de técnicas integradas en una sola obra que no corresponde a ninguna de las disciplinas habituales.

Referencias bibliográficas

Sureda Joan y Guasch, Ana M. (1987). “La trama de lo moderno” 2da edición 1993. Ediciones Akal. Pg. 126. Madrid, España.

Fernandez López Olga (2019) Revista Trescientosveinte. Recuperado de https://trescientosveinteglosarioarte1945.wordpress.com/2019/05/19/combine-paintings-robert-rauschenberg/  el 17/11/20.

Vite Tiscareño, Edgar  (2014) “La fusión de lo pictórico y escultórico en Rauschenberg”. Pg. 138. Universidad del Valle. Recuperado de https://nexus.univalle.edu.co/index.php/nexus/article/view/724/847 el 17/11/20.

Acerca de Cecilia Macedo Rivera
Artista visual peruana, radicada en Argentina, con estudios en administración, marketing, diseño y programación. A la par de su carrera en arte, lleva adelante una empresa de desarrollos digitales y gráficos. Actualmente estudia en la Universidad Provincial de Córdoba y complementa su formación en talleres y clínicas de obra.

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El término sincretismo ha sido usado en relación a la mezcla cultural originada en comunidades diversas en cuanto a comportamientos, rituales o religiones. Aunque se ha usado poco en el campo del arte, esta característica es una de las principales fuentes de valor y riqueza en las producciones artísticas de todo el mundo.

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Cada detalle de esta figura, como su textura lisa por partes y rugosa en otras,… las líneas oscuras que resaltan el tallado  y sus sombras; generan un clima misterioso, que nos puede hacer reflexionar sobre la profunda capacidad espiritual no sólo de quien la esculpió, sino también del entorno que la contuvo.

Mar de Lurín - De Szyszlo

Fernando de Szyszlo Valdelomar… Fue un artista con renombre internacional, precursor de la renovación del arte y una figura clave para el reconocimiento y desarrollo del arte abstracto en América Latina. Transmite una conexión sutil de esas experiencias, volcadas en el mundo actual de manera casi surrealista siempre abierta, tal y como el arte contemporáneo ha encontrado su evolución.

Un artista de dos mundos – Fernando de Szyszlo

Fernando de Szyszlo Valdelomar (Lima 1925 – 2017), hijo del físico polaco afincado en Perú Vitold de Szyszlo y de María Valdelomar (hermana del escritor Abraham Valdelomar). Estudio en la Escuela de Arquitectura, y en  la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Católica de Lima, aunque no terminó sus estudios continuando su formación de manera autodidacta. Viajó a Europa a los 24 años para estudiar las obras de los grandes maestros y vivió en París y en Florencia durante 7 años.

Fue un artista con renombre internacional, precursor de la renovación del arte y una figura clave para el reconocimiento y desarrollo del arte abstracto en América Latina. Realizó más de  una centena de exposiciones en Perú, Estados Unidos y Europa, entre las más importantes se encuentran: Bienal de Venecia; Bienal de Sao Paulo; Guggenheim Museum, New York; The Art Institute, Chicago; y el Museo Rufino Tamayo, en la Ciudad de México.

Para 1974, tenía más de 1500 obras y en la década de los ochenta recibió la condecoración de la Orden de las Artes y Letras en el grado de Caballero de  la  República Francesa (1981).

Fernando de Szyszlo

Actualmente sus obras pueden apreciarse en diferentes museos e instituciones a nivel internacional, entre los más destacados se encuentran: El Museo de Arte Moderno de España, Museo de las Américas en Washington D. C., Museo de Arte Moderno de México, The Guggenheim Museum en Nueva York, Museo de Bellas Artes de Caracas, Museo de Arte de Lima, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, The National Museum of Contemporary Arte en Seúl, Universidad de Essex.

Según nos cuenta la periodista Julie Furlong (Furlong, J. 2017). De Szyszlo fue un intelectual comprometido y tenía una gran afición por la literatura siendo miembro de la “Academia Peruana de la Lengua”, y desarrollando amistad con importantes personalidades como Rufino Tamayo, Octavio Paz, Carlos Fuentes, Mario Vargas Llosa, entre otros ilustres contemporáneos y también extemporáneos, escritores, artistas y fotógrafos alemanes, polacos y franceses. Estas relaciones lo condujeron a emprender proyectos culturales de gran importancia como la creación de la revista “Las Moradas” y la publicación de “Miradas furtivas”, una recopilación de artículos sobre el arte contemporáneo y precolombino.

Además se desarrolló como crítico de arte, escritor de artículos periodísticos y de la obra con sus memorias “La vida sin dueño” (Alfaguara, Perú, 2016; Taurus, España, 2017). Ejerció la docencia en las universidades de Cornell, Yale y Texas (Estados Unidos).

Fernando de Szyszlo a los 92 años de edad seguía pitando y exponiendo un promedio de dos veces por año cuando un accidente doméstico lo alcanzó falleciendo junto a su esposa al caer ambos de la mano por las escaleras de su casa.

OBRA

Se trata de “uno de los más destacados artistas de vanguardia del Perú y una figura clave en el desarrollo del arte abstracto en América Latina” (Artedos.com s.f).

Desarrolló con gran maestría la pintura y la escultura, centrándose en las corrientes vanguardistas. Su forma de trabajo tenía influencia cubista y surrealista, sin embargo su proceso lo llevó a un estilo propio conocido como indigenismo abstracto, pues incluyó en su producción elementos del arte precolombino y representó temas de la historia del Perú, conectando a las antiguas culturas con el lenguaje pictórico moderno.

Esta obra es considerada como una de sus obras maestras. Si bien es una obra abstracta, su nombre proviene de la lengua quechua indígena, (leyenda sobre Tupac Amaru), lo que indica la conexión del artista con las tradiciones americanas.

En las obras de Fernando de Szyszlo puede identificarse la tendencia expresionista y abstracta con fuerte cromatismo, diseño y texturas. Su continua experimentación con espacios abiertos, en los que juega con la luz, la sombra, los reflejos y la profundidad lo sitúan entre los grandes maestros de la pintura latinoamericana.

“Soy pintor. Esas dos simples palabras han dado sentido a mi existencia”, es como inicia el testimonio de su intensa existencia en su libro de memorias “La vida sin dueño”. (Alfaguara, Perú, 2016; Taurus, España, 2017).

Si bien este artista se desarrolló principalmente en la pintura, fue un escultor extraordinario, llevando a las tres dimensiones su estilo de diseño lineal en combinación con esferas y particular sofisticación. Todas estas obras presentan  la misma característica de fondo, una visión moderna y conectada con su historia y el sentir latinoamericano.

Una de sus obras más representativas en este campo es la monumental escultura Intihuatana, situada en Lima, Perú. La escultura Intihuatana fue inaugurada con el apoyo de la Fundación Telefónica, la Municipalidad de Miraflores y la Fundación de Arte Contemporáneo. El momento de su inauguración Fernando de Szyszlo tuvo las siguientes palabras «Para el mundo quechua es el lugar en donde el sol se amarra. Lima con su cielo gris necesita también un Intihuatana con el propósito mágico de sujetar el sol» (Atlas Geomundo, 2019).

La independencia, además de la libertad como premisa, marcó una separación que comenzó con el reconocimiento de nuestra propia identidad, sin embargo continuó transitando con fuertes lazos económicos, políticos, culturales y sociales, pasando por alto la particularidad y herencia ancestral.

Para muchos artistas e intelectuales de esta época, la identidad de las raíces culturales tienen en común la búsqueda por definir y asumir nuestra cultura. El indigenismo, fue una corriente que surgió como resultado de esta búsqueda, con presencia en todas las artes, en especial la literatura y las artes visuales. Este movimiento cuestionado, logró que se empezara a comprender que nuestro propio mundo no estaba en Europa sino en América Latina, y era necesario revalorizarlo.

Es así que Fernando de Szyszlo, se involucra con este propósito y a través de su trabajo generando una nueva etapa de integración, pues no reproduce en sus obras los trabajos precolombinos, sino que transmite una conexión sutil de esas experiencias, volcadas en el mundo actual de manera casi surrealista siempre abierta, tal y como el arte contemporáneo ha encontrado su evolución.

Muchos autores han considerado que “sus cuadros son influenciados por las corrientes cubistas, surrealistas, informalista y de arte abstracto” (Revista de Artes, 2013). Con todo este análisis podemos afirmar que este artista íntegro, en su vida y búsqueda artística, estableció puentes hasta nuestras raíces latinoamericanas, y que estos enlazan la abstracción occidental moderna con la majestuosidad del arte prehispánico.

ALGUNAS REFLEXIONES

Dicen que Fernando de Szyszlo sufrió de niño de asma, lo que lo llevó a acercarse más a la lectura y a la poesía que rodea su obra, pero más allá de eso era un luchador apasionado que combatía contra la banalidad, tal vez por eso incorporaba en sus obras temas culturales inspirados en el trabajo literario de escritores hispanos comprometidos con la cultura.

Viendo los aspectos personales que lo llevaron a desarrollarse en el arte encontré que su vida fue marcada muy profundamente por la muerte de su hijo en un accidente aéreo, lo que nos lleva a pensar que después de un hecho semejante, pudo fortalecerse encontrado un apasionado propósito en el trabajo cultural y especialmente en la pintura, un estímulo expresivo que lo completaba.

El manejo de los espacios de  Szyszlo nos llevan a un mundo paralelo en el que cada centímetro importa, porque en sus obras se puede recorrer su propia vida, una vida comprometida con su pasado, presente y futuro; y más allá de eso , una vida atesorada en todas las dimensiones.

Rescato una “síntesis de tradición y vanguardia que ha influido intensamente en numerosos pintores y que alcanzaría su maduración en las últimas generaciones de artistas peruanos”. (Ruiza, Fernandez y Tamaro, 2004)

Quise desarrollar este ensayo en honor a su testimonio de compromiso, pues lo considero un pilar de la cultura y un artista de dos mundos.

BIBLIOGRAFIA

Atlas Geomundo (2019) El hombre y su Historia. Parque Intihuatana.  El tiempo de cronos. Recuperado de http://eltiempodecronos.blogspot.com/2019/05/parque-intihuatana-en-el-distrito.html  el 28 de octubre del 2020.

Artedos.com (s.f) Fernando de Szyszlo. Bogotá Colombia. Recuperado de https://www.artedos.com/fernando-de-szyszlo  el 28 de octubre del 2020.

Fernando de Szyszlo (2017) La vida sin dueño (Alfaguara, Perú, 2016; Taurus, España, 2017). Editorial Alfaguara.

Furlong, J. (Oct 29/10/2017)  Stalker, Una guía para no ser guiado. Recuperado de https://stalker21.com/fernando-de-szyszlo-el-arte-es-descubrimiento-y-rebeldia/  el 28 de noviembre del 2020.

Revista de Artes (Nov/Dic 2013) Revista de Artes Buenos Aires Nro. 41. Recuperado de http://www.revistadeartes.com.ar/revistadeartes-41/pintura_fernando-de-szyszlo.html el 28 de octubre del 2020.

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Fernando de Szyszlo. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/szyszlo.htm el 28 de octubre de 2020.

 

Acerca de Cecilia Macedo Rivera
Artista visual peruana, radicada en Argentina, con estudios en administración, marketing, diseño y programación. A la par de su carrera en arte, lleva adelante una empresa de desarrollos digitales y gráficos. Actualmente estudia en la Universidad Provincial de Córdoba y complementa su formación en talleres y clínicas de obra.

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Cada detalle de esta figura, como su textura lisa por partes y rugosa en otras,… las líneas oscuras que resaltan el tallado  y sus sombras; generan un clima misterioso, que nos puede hacer reflexionar sobre la profunda capacidad espiritual no sólo de quien la esculpió, sino también del entorno que la contuvo.

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Rauschenberg se centra en la tridimensionalidad y en la corporeidad de los diversos objetos que añade a su obra, con lo que acentúa la plasticidad de la pintura y la dota de una serie de connotaciones escultóricas, que irrumpen en la espacialidad y rompen el equilibrio.

El Sincretismo artístico en América Latina

El término sincretismo ha sido usado en relación a la mezcla cultural originada en comunidades diversas en cuanto a comportamientos, rituales o religiones. Aunque se ha usado poco en el campo del arte, esta característica es una de las principales fuentes de valor y riqueza en las producciones artísticas de todo el mundo.

He decidido abordar este tema direccionado al arte latinoamericano, basándome en la influencia traída de occidente a estas tierras y que, en su recorrido a dado como resultado el arte estético único que conocemos hoy. Este camino se ha gestado desde el origen de las expresiones de nuestros antepasados, sumando secuencialmente elementos en cada tiempo de la historia, con sus particulares características socio culturales.

El reconocimiento del valor resultante de esta fusión, es sin embargo también una revalorización del contenido propio, que ha tenido a lo largo de los años, una importante lucha por la supervivencia de culturas ancestrales y sus manifestaciones.

Primeras manifestaciones

Como referencia para dar inicio a este planteamiento, debemos recordar que las culturas ancestrales de América Latina han demostrado un avanzado y magnifico conocimiento en sus manifestaciones artísticas y arquitectónicas, no sólo en cuanto a las diversas técnicas, equilibrio y composición, sino fundamentalmente es su contenido expresivo de singular estética en la utilización de soportes como cerámica, tejidos, tallado en piedra o metal, entre otros. Característica que para occidente era poco tradicional ya que consideraban este  trabajo con valor utilitario, como artes menores o  artesanías, con un valor meramente funcional.

El arte denominado precolombino entonces, hace referencia a la producción de los nativos del continente americano que permite el conocimiento y el reconocimiento de civilizaciones, que testimonia su nivel de desarrollo y capacidad  de transformación de su entorno para adaptarlo a sus necesidades y cosmovisión.

Esta lectura que hoy tenemos del arte ancestral latinoamericano, es producto del análisis de mitos religiosos y rituales funerarios que eran el soporte de sus producciones en arquitectura, escultura y pintura. Cada elemento cuenta la historia que da sustento al concepto de identidad de cada región.

En el siglo XV, bajo el término de colonización y evangelización, la irrupción y desprecio por las culturas originarias de occidente, resultó en la desaparición de numerosas lenguas autóctonas, la destrucción de textos, religiones, templos, ciudades, obras artesanales, monumentos, caminos, memoria y un resultando devastador para las expresiones artísticas de entonces, por lo que ese momento, no debe leerse como un encuentro enriquecedor, sino como una imposición y ruptura.

Más adelante, cuando el mestizaje se consolida, se inicia la formación de las disciplinas artísticas con criterios occidentales. Las nuevas manifestaciones documentaron los profundos cambios surgidos, y una resistencia que no dejó de lado su contenido cultural prehispánico. Es entonces cuando nace el sincretismo artístico latinoamericano.

El inicio del arte contemporáneo

A principios del siglo XX, con la crisis económica mundial ocasionada por las guerras mundiales, se desarrollan las vanguardias históricas, como el impresionismo, cubismo, expresionismo, surrealismo, entre las más conocidas. Estas vanguardias artísticas en América Latina tuvieron su propia autonomía, en respuesta a las condiciones socioculturales propias y al deseo de lograr su independencia en un contexto social y político muy complejo.

México fue el primer país en figurar en la historia del arte internacional, cuando Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, con el muralismo como disciplina, empiezan a proyectar las ideas políticas nacionalistas que por entonces eran el tema central.

“Preocupados por recuperar la identidad nacional, se interesaron por realizar un arte basado en el pasado precolombino, en incorporar el indio a la plástica, en plantear la lucha de clases, en mostrar las geografías y las fiestas y en ensalzar la revolución.” (Salcedo, 2002)

Son muchos los artistas que continúan esta corriente vanguardista en todos los países hispanoamericanos, teniendo entre sus principales representantes además de los ya mencionados artistas mexicanos a, Wilfredo Lam (Cuba), Amelia Pelaez (Cuba), Armando Reverón (Venezuela), Anita Malfatti (Brasil), Tarsila do Amaral (Brasil), Joaquín Torres García (Uruguay), Pedro Figari (Uruguay) Xul Solar (Argentina), Lino Spilimbergo (Argentina), José Sabogal (Perú), Cota Carvallo (Perú); entre muchos otros. Artistas que incorporan una reflexión en su rol y búsqueda de libertad y reconocimiento social, político y estético; y que sin embargo han nutrido su conocimiento formándose muchos de ellos en academias europeas o realizando viajes en busca de complementar sus dimensiones artísticas.

“El moverse en terrenos culturales donde el signo de la dependencia era muy fuerte, obligó a que contemporizaran intereses aparentemente antagónicos…de allí que sin desconocer el atractivo de las prestigiosas vanguardias europeas, intentaran proponer un arte propio, escarbando para ello en lo que consideraban sus raíces.” (Ivonne Pini, 1997).

Estos procesos convulsionados en cada momento histórico, no perdieron de vista la reflexión sobre su identidad, buscando citar, gestionar y comunicar ideas únicas que son producto de una mezcla cultural innegable, y que siguen buscando la supervivencia de las culturas ancestrales y sus manifestaciones.

El sincretismo es la influencia que se concreta en el interior, con cada contexto en que se encuentra inmerso, haciendo que el arte trascienda las fronteras y tome forma universal, va más allá de la etnología que toma sólo formas culturales o religiosas,

“Es una categoría que a diferencia de muchas otras, carece de temporalidad y tampoco debe asociarse con un estilo o una escuela pero si con una corriente ideológica” (Villalobos Herrera, 2006)

El arte en nuestros tiempos

Latinoamérica continuó la tendencia mundial en la búsqueda secuencial por superar los límites expresivos en el arte. De esta  manera, hoy el arte expande su visión  a campos más amplios y jamás pensados, pues la procedencia de cada elemento y pensamiento del arte, obedece solamente a la voluntad del artista.

Vivimos en un tiempo de migración y tránsito constante entre países y culturas, lo que ha hecho emerger fusiones y mestizajes que siguen documentando la historia, y esta globalización, no escapa al arte.

El aporte de la cultura popular tradicional de nuestra tierra latinoamericana, permite proyectar con toda su fuerza su cultura ancestral, sus creencias, realidad, memoria y anhelos, persistiendo en la memoria colectiva, representando su identidad y contando su tradición.

Conclusiones

Una larga historia de cambios en el concepto del arte nos ha llevado tal vez al lugar más importante, en donde su valor radica en la autenticidad y libre manifestación expresiva en todas sus formas. Es importante que sea valorada, respetada y podamos fomentarla en busca de nuevas fuentes de conocimiento y expresión.

Este poder de comunicación es el reflejo del momento cultural que se vive, es decir de los hechos, los pensamientos y los intereses de cada tiempo y lugar. Este patrimonio simbólico sitúa el arte latinoamericano en el mundo y responde a los cambios vertiginosos de la difusión global.

El arte es pues, una herramienta de transmisión de cultura única y trascendente, una fuente de información desde el inicio de los tiempos hasta hoy, y un potencial instrumento para logar la supervivencia de la historia y sus alcances en la comprensión del conocimiento individual en el que nos hemos forjado.

El artista es un ser humano comprometido en rescatar elementos desde el interior más profundo en busca de respuestas, de análisis de la realidad y de proyecciones hacia su futuro. “Es un cuestionador permanente de la cultura porque es crítico, porque privilegia la experiencia existencial y afectiva de cara al mundo conceptualizado” (De la Fuente, 2011)

Bibliografía

De la Fuente, José Alberto (2011) Reflexión sobre el arte latinoamericano. Aproximación testimonial. Polis, revista latinoamericana. Nro 34 (2013). Recuperado de https://journals.openedition.org/polis/8919 el 20 de noviembre de 2020.

Pini, Ivonne (1997) Vanguardia latinoamericana y formas de representación. Una mirada a textos de los años 20. Facultad de Artes de la Univ.Nacional de Colombia. Recuperado de https://revistas.unal.edu.co/index.php/ensayo/article/view/46497 el 20 de noviembre de 2020.

Salcedo, Antonio (2002). Irrupción y continuidad de las vanguardias latinoamericanas. Artigrama, núm. 17, 2002, 71-88 — I.S.S.N.: 0213-1498.

Villalobos Herrera. (2006). El sincretismo y el arte contemporáneo latinoamericano. Pg. 406. Ra Ximhai, El Fuerte, Sinaloa. pp. 393-417 Univ. .Autónoma Indígena de México ISSN: 1665-0441 México. Recuperado de http://www.uaim.edu.mx/webraximhai/Ej-05articulosPDF/05%20sincretismo.pdf el 15 de noviembre 2020.

Acerca de Cecilia Macedo Rivera
Artista visual peruana, radicada en Argentina, con estudios en administración, marketing, diseño y programación. A la par de su carrera en arte, lleva adelante una empresa de desarrollos digitales y gráficos. Actualmente estudia en la Universidad Provincial de Córdoba y complementa su formación en talleres y clínicas de obra.

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¿Conoces la Venus de Lespugue?

Es fascinante cuando te detienes a observar y estudiar algunas piezas representativas de la historia del arte paleolítico, porque muestran una conexión estremecedora sobre nuestros orígenes, su pensamiento, su sentir, su maravillosa concepción del ser humano.

Esta es una estatuilla de 14 cm. tallada en marfil de mamut, que fue creada entre los años 20.000 al 18.000 a C. y encontrada en Alto Garona, Francia. Una figura de extremada delicadeza, porque aunque tenga formas abultadas que resaltan sus pechos y caderas de manera significativa, su tronco y brazos se alargan dando apariencia estilizada.

El tallado de esta figura debió ser una tarea muy exhaustiva porque el “artesano” logró una simetría muy importante, además del sutil trabajo en las formas femeninas que resaltan la capacidad maternal.

La Diosa de Lespugue, tiene una composición como de diamante, su torso y cabeza se afilan hacia arriba, al mismo tiempo que sus pies se perfilan unidos hacia abajo, se cree que esto se debe a que estaba clavada en la tierra o que estaba fijada a una base de madera.

La parte central de la figura es significativamente más ancha, las caderas  y nalgas subrayan su fecundidad, así como sus pechos que caen casi hasta la misma altura, demostrando tal vez su infinita capacidad de proporcionar alimento.

Tiene la cabeza inclinada hacia el frente, como si se tratara de una actitud reflexiva, y sus brazos apoyados en sus pechos. No tiene tallados pies ni manos, pero en un detalle menor que pasa desapercibido para quien no hace un análisis exhaustivo, toda la atención es capturada a su lenguaje corporal y la armonía gestual de sus redondeadas formas.

En una vista de espaldas de la figura, se puede apreciar otro símbolo de su maternidad, se trata de unas líneas verticales que bajan desde sus nalgas hasta casi la altura de los pies, como el agua de la fuente que se rompe al iniciar un parto.

Cada detalle de esta figura, como su textura lisa por partes y rugosa en otras, el color ocre verdoso que pareciera tener la imagen, además de las líneas oscuras que resaltan el tallado  y sus sombras; generan un clima misterioso, que nos puede hacer reflexionar sobre la profunda capacidad espiritual no sólo de quien la esculpió, sino también del entorno que la contuvo.

Con este análisis, ya sólo puedo agregar que me maravilla pensar que ya desde entonces, la sensibilidad artística era inmensa, la necesidad y capacidad de comunicar, de contar…. es un impresionante relato sobre la generación de vida y el poder de sostenerla.

Acerca de Cecilia Macedo Rivera
Artista visual peruana, radicada en Argentina, con estudios en administración, marketing, diseño y programación. A la par de su carrera en arte, lleva adelante una empresa de desarrollos digitales y gráficos. Actualmente estudia en la Universidad Provincial de Córdoba y complementa su formación en talleres y clínicas de obra.

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